El primer contacto con la
obra del artista Erni Kwast (1959), que vive y trabaja en Amsterdam, significa
una confrontación directa con figuras grandes, robustas y muy femeninas en un
paisaje abierto. Con áreas de color claramente definidas, donde prefiere los
tonos cálidos naranja, amarillo y verde contrastando con un azul claro, colores
con los que construye composiciones que dominan con fuerza y consistencia
todo el lienzo. Los planos con los que da forma a la figura humana se exponen
tan enfáticamente como aquellos con los que enfatiza el contexto del paisaje.
La pintura como se trata como una continua disposición de planos de color. Este
hecho pone en perspectiva el carácter figurativo de la obra y permite que el modelo
de la pintura se eleve por encima de lo anecdótico.
Con esto, Erni Kwast se
coloca dentro de un tema recurrente del arte: la búsqueda del equilibrio entre
la bidimensionalidad de la pintura y la tridimensionalidad de la
representación, tan utilizada por el pintor, considerado por muchos como el
padre del arte moderno, Paul Cézanne. Erni Kwast también siente una gran
afinidad con el pintor de Aix: el color de sus lienzos también delata esa
influencia. Pero también menciona a Léger, Schlemmer y Braque como fuentes de
inspiración; pintores que lucharon por un equilibrio composicional en sus obras
simplificando la forma y su disposición.
Aunque muchas capas de
esquemas de color han precedido el resultado final de la pintura, las obras
tienen un carácter plano y directo casi evidente. El ambiente de la obra
también evoca recuerdos de los frescos de los pintores italianos del primer
Renacimiento, junto con la deseada madurez de estas capas de pintura y los
colores elegidos. Pintores como Giotto y Piero della Francesca también son una
importante fuente de inspiración para Erni Kwast.
Pero no solo en estos
terrenos formales las pinturas obtienen una cierta estratificación. Al
inspeccionar más de cerca los paisajes con figuras accesibles a primera vista,
aparece un trasfondo melancólico; ninguna de las figuras está dirigida al espectador,
ni a ninguna otra figura en la pintura. La robustez y la cerrazón de la forma
también parecen contener un aislamiento: la imposibilidad del contacto, lo
autónomo de la figura humana. Como resultado, el trabajo escapa a la
superficialidad y a la mera pintura atmosférica. - Drs. Marike van der Knaap
ÚLTIMAS EXPOSICIONES:
2017 Pulchri, La Haya:
Relaciones personales - Exposición Internacional de Retratos en Miniatura
Pulchri, La Haya: 'Fuego
Sagrado. ¿Qué inspira el hombre?
2016 Leiden, ruta del arte, Mercado
de arte Leidse Lakenfeesten, Thomaskunst, Amsterdam
2015 Leiden, ruta del arte, Pulchri,
La Haya, salón de primavera
2014 Pulchri, La Haya:
'melancolía', Pulchri, La Haya, salón de primavera
2013 Pulchri, La Haya:
'Desnudo', Línea 3 de Hofstede Gallery
2012 Hofstede Gallery Línea
3, Pulchri, La Haya: naturaleza muerta en el Mesdagzaal
Galerie Oost 2011, Hoorn
Galería Kolff, Zoeterwoude
2010 Kunstschouw, Zelanda
Thomas Open Art, Amsterdam
2009 Pulchri, La Haya
ARTI09, La Haya
Bienal de Florencia
revisitada en Holanda, La Haya
2008 Museo di Santo Stefano,
Florencia, Italia - transmisión Toscana TV
Arte Firenze, Fortezza da
Basso, Florencia, Italia
Galleria Mentana, Florencia,
Italia
Bienal 2007 Florencia,
Italia - premio: Premio Lorenzo Il Magnifico
Galería Kolff, Zoeterwoude
2006 Realismo 06, Amsterdam
2005 Galería Kolff,
Zoeterwoude
2004 Contemporary Art Center, Laren
2003 Galerie Hoopman, Amsterdam
2002 Gallery-Sculpture Garden Dehullu, Gees
Galerie Hofstee, Schiedam
2001 Galerie Fred Bakker,
Borne
Centro de Arte
Contemporáneo, Schalkwijk
Enterprise & Art, Amsterdam
2000 Galerie Fred Bakker, Borne
Centro de Arte
Contemporáneo, Schalkwijk
Fuentes:
Nota: La propiedad intelectual de las imágenes que aparecen en este blog
corresponde a sus autores y a quienes éstos las hayan cedido. El único objetivo
de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, a los que admiro,
y que otras personas disfruten contemplando sus obras.
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