Michael De Brito nació en
1980 en Nueva Jersey. Estudió de 1999 al 2003 en la Parsons School of Design, y
del 2003 al 2005 en la Academia de Arte de Nueva York.
''En un mundo lleno de arte
conceptual y abstracción, las pinturas de Michael De Brito se destacan como una
versión moderna de la bravura de los maestros figurativos de los siglos XX y
XXI. Él considera la tradición como una fuerza guía que da vida y significado
al trabajo contemporáneo. El trabajo de De Brito recuerda la calidad y
ejecución exhibida por los maestros: un dominio técnico indeleble de la luz, la
sombra y el color aprendido a través de un estudio cuidadoso. El resultado es el
poder de la confianza, una marca de pincel final hecha en el primer golpe
entrenado.
A medida que pasa el tiempo,
irrevocable y despiadado, solo quedan momentos para que el artista los capte y
se congelen para la eternidad.
El mantel, los visitantes,
los delantales pueden cambiar, pero existe un reino de continuidad producido
por las pinceladas de un joven artista. La rutina apresurada de la vida moderna
deja poco tiempo para reconocer las cosas más sutiles que requieren que uno se
detenga y piense. Se convierte en hábito el olvidarse de ver algo. Sin embargo,
la inmediatez de la experiencia a veces está fuera de práctica. Se necesita la
perspectiva de un artista para comunicar esta clara cohesión entre personas y
objetos, esta inusual dicotomía de una persona y su entorno en un momento dado.
Michael De Brito presenta
una historia única y personal en sus lienzos. Cada pintura representa otro
capítulo de este cuento familiar en curso. Durante los últimos cinco años, ha
elegido pintar escenas familiares de cocina donde familiares y amigos se han
reunido en innumerables ocasiones. Se invita al público a sentarse con los modelos
y examinar los patrones rituales de la vida de un extraño.
"Estos son todos mis
recuerdos. Simplemente terminan siendo pinturas, pero aún son mis recuerdos de
lo que me he llevado conmigo".
Es la vida no examinada que
no vale la pena vivir. De Brito le presenta al espectador una invitación
personal a la vida de los demás. Casi se pueden escuchar los tenedores y los
cuchillos contra los platos de cerámica, el descorche de una botella de vino
tinto, la conversación incesante de diferentes voces. Es una explosión
elaborada de experiencia sensorial. Suena un teléfono, un visitante de último
momento desciende los escalones hacia la cocina y se sienta entre los demás
huéspedes. Comienzan a comer.
Usando múltiples fuentes de
referencia para su trabajo, el artista intenta pintar una realidad en un
momento particular en el tiempo. Todas las sutilezas están ahí. Alguien está en
mitad de la oración, mientras que otra persona chupa la carne restante de una
costilla de cerdo y la tira en una fuente de metal. Hay un tenedor sucio
olvidado sobre el mantel y luego un momento de introspección por parte de uno
de los sujetos; inadvertidamente han olvidado la presencia del escrutinio
invisible del ojo del artista. Todos son personajes de su historia y se están mostrando
a sí mismos.
Hay una sensibilidad dentro
de sus temas que de alguna manera se traduce en su lienzo. El enfoque no son
solo los modelos en sí mismos, sino el dualismo que existe entre todos los
objetos en la pintura. Siempre hay una relación invisible entre los sujetos y
su entorno, ya sea que el individuo esté consciente de esta conexión o no. Cada
persona y objeto inanimado juega un papel en esta escena.
También está presente una
contradicción coherente entre los objetos infinitos que continúan estando
presentes en las escenas de la cocina y la apariencia transitoria de los
visitantes. Hay temas recurrentes dentro de estas pinturas y uno se ve obligado
a reflexionar sobre la relación entre la presencia continua de estos objetos y
su propia finitud. No en vano, la abuela del artista sigue siendo un elemento
constante en esta serie de pinturas. Se ha convertido en un elemento básico
para el interés del artista por las escenas de la cocina y plantea la cuestión
de si el artista está contando su historia o la de ella. Se lo cuenta con el
telón de fondo de un espacio aislado sujeto al implacable proceso del tiempo,
un lapso de tiempo virtual.
Quizás las cocinas revelan
las historias más íntimas sobre un lugar y tiempo específicos. Después de todo,
no es un lugar donde normalmente se manifiestan aires pretenciosos. Es donde se
realiza el arduo trabajo de un cocinero para preparar una comida. Es donde los
huéspedes humildes llegan y se reúnen alrededor de una mesa para realizar el
antiguo ritual de consumo. Antes del acto, sin embargo, es la preparación. La
cocinera en su cocina mientras limpia la mugre del calamar o quita las mollejas
de una gallina es tanto una representación de una cultura como de una época.
Beuckelaer presentó un tema similar en sus pinturas El cocinero y el cerdo
sacrificado. Las pinturas de Beauckelaer, realizadas en el siglo XVI, conservan
su sentido de valor en la actualidad. Las acciones siguen siendo las mismas
aunque el paso del tiempo ha alterado el proceso.
De hecho, lo que ha
disminuido hoy es la recepción dada a este tipo de obras de arte en el medio
moderno de los medios de comunicación.
Fuentes:
Nota: La propiedad intelectual de las imágenes que aparecen en este blog
corresponde a sus autores y a quienes éstos las hayan cedido. El único objetivo
de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, a los que admiro,
y que otras personas disfruten contemplando sus obras.
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