Artista
uruguayo nacido en Rosario, Colonia, en 1985. Estudió en Liceo de Rosario Agustín Urbano
Indart Curuchet y en el IENBA (Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes). Vive
en Rosario, Colonia, Uruguay.
Reproducimos la entrevista
realizada a Alvaro Olivera por Pablo Scagliola y publicada en "Ágora o
nunca":
Lo
primero que impacta al enfrentarse a tus obras es la solidez técnica con las
que fueron ejecutadas. Parece que no hubiera centímetro del cuadro sin estudiar
y elaborar concienzudamente. ¿Cómo ha
sido tu formación para alcanzar ese grado de acabado de la obra? ¿Hay una forma
de concebir la obra detrás de esta forma de pintarla tan pulida?
Gracias por el comentario.
Participé de algunos talleres en Rosario desde muy chico; también hice Bellas
Artes. Siempre he estado dibujando y pintando, por lo que en gran parte mi
formación es también autodidacta. Encuentro varias formas de concebir una obra,
con procesos y resultados diferentes.
¿Cuáles
son tus referentes artísticos?
Han aparecido referentes en
todas las etapas, no solo en pintura. La lista sería muy extensa, aburrida y
principalmente injusta.
En
cuanto a tu proceso creativo, ¿tienes rituales cotidianos que te ayuden a
prepararte para pintar? ¿o se trata más bien de una actividad más errática?
¿Cómo es?
En parte puede ser errática,
en el sentido de que no tengo rutinas para pintar. El proceso varía según lo
que me interese hacer. En algunos casos trabajo en cuadros que pueden requerir
de mucho tiempo, ya sea por la dificultad técnica y/o de contenido; en otras
oportunidades tengo la necesidad de hacer cosas más rápidas y espontáneas.
En
tus pinturas se pueden observar por lo menos dos líneas claras de trabajo. Una
que se acerca más a la pintura tradicional, realista, donde destacan las
naturalezas muertas y los retratos, de un realismo intenso. Otra línea
distinta, donde las obras parecen reunir distintos estilos, como una especie de
collage estilístico. ¿A qué responden estas dos formas de pintar?
Sí, hay como dos formas en
ese sentido, que tienen diferencias notorias y en algunos aspectos he sentido
que hasta pueden ser opuestas. Esos dos caminos se han ido alternando en los
últimos años. Las motivaciones son distintas, y me pueden atrapar por igual. El
realismo en pintura siempre me ha resultado estimulante, principalmente por el
empleo de la técnica y el desarrollo perceptivo, se me presenta como una
práctica a modo de ejercicio, una necesidad que nace, entre otras cosas, de la
voluntad por adquirir herramientas del oficio. En la segunda línea, donde
aparecen como dices diferentes estilos reunidos, ahí el empleo de los elementos
plásticos y estéticos es totalmente diferente. La figuración termina por ser
saturada, desde las figuras representadas y el empleo de los elementos plásticos.
Hay mucho caos en eso, y la satisfacción ha estado en intentar conseguir al menos
que funcione visualmente.
En
esta segunda línea de trabajo, se destaca tu uso del color. Se perciben
reminiscencias del “planismo” uruguayo. ¿Existe una relación? ¿Cómo razonas el
uso del color? ¿Tenés referentes a la hora de aplicarlo?
Hay en esa línea una
intención planista, de ruptura de lo espacial, de la perspectiva y de la
atmósfera. Pueden aparecer algunas reminiscencias con el planismo uruguayo, es
una corriente que siempre me ha atrapado. No he trabajado en esta línea en
forma de estilo, más bien me interesan ciertos elementos como el color y el
manejo de la forma. El color está usado en este caso para evidenciar el plano y
llevar al mínimo la sensación de profundidad. No hay una intención de generar
estados emocionales en el empleo del color. Más bien se disponen en función de
lo plástico.
También
destacan en estas obras las temáticas íntimas. ¿Qué te movió a pintarlas?
Son cosas que van
apareciendo. Si algo me interesa y estimula a representar no me detengo en el
significado, me concentro en la imagen y el resto surge por añadidura. No por
esto es menos importante, por el contrario. Tampoco lo veo desde un lugar
intimista, más allá de que el resultado pueda parecer muy personal en su
temática. Esa visión de lo íntimo es algo que ha cambiado mucho en los últimos
años. En el fondo la creación termina hablando del autor, más allá del
contenido. Trato de evitar elementos que tengan un peso simbólico, que digan
desde ese lugar. Me gusta que en una imagen aparezcan diferentes elementos
llevados casi al mismo plano de importancia y significado. Tampoco hay un
interés narrativo, como si de la imagen se pudiera deducir un relato. Me
interesa que desprenda cierta tensión vital.
¿Cómo
es el proceso de realización de una de estas obras? ¿Tenés etapas ya pautadas?
¿Es más bien caótico? ¿Qué importancia le das a la composición?
La composición es un
elemento importante en la expresión y está presente en todo el proceso. En
ocasiones comienzo a bocetar partiendo de tramas geométricas o abstracciones,
para luego irlas figurando. No tengo etapas pautadas, más que las necesarias.
Los bocetos te pueden dar una idea, pero en mi caso es mínima; en ellos me
concentro principalmente en la composición, el dibujo y la forma. A la hora de
pintar aparecen varios problemas ya que el color puede romper toda esa
estructura, sumado al tamaño y empleo de materiales. A partir de ahí es que voy
encontrando soluciones y aparecen cosas que no tenía previstas.
El
contexto artístico ha cambiado en las últimas décadas, fundamentalmente para
los pintores, con el lugar cada vez más prominente del denominado “arte
conceptual”. ¿Considerás que ha desplazado a la pintura de los centros
artísticos? ¿Te afecta personalmente en tu trabajo?
Sí, es verdad que ha
desplazado a la pintura de ciertos espacios. Por ahí en una muestra de arte es
difícil encontrar pintura, y cuando aparece pareciera que estuvieran cumpliendo
un requerimiento de cuotas, pareciera que no existiera, que no hubiera personas
haciendo eso. Y salís a la calle y te encontrás con pinturas de todo tipo. La
legitimación varía según el contexto. No es algo en lo que pienso a la hora de
pintar.
Sin
duda que la pintura y el “arte conceptual” tienen diferencias profundas. ¿Qué
opinión te merece la concepción de la muerte de la pintura, por considerarla
caduca frente al “arte conceptual”? ¿La pintura puede aún tener protagonismo en
este contexto?
Son formas distintas, y más
allá de esas diferencias profundas también existen o pueden existir puntos de
encuentros. Hay que ver qué se quiere decir y cómo, ambas formas son legítimas,
entre otras. La pintura sigue teniendo un protagonismo importante, no considero
que se tenga que esforzar por posicionarse en un contexto que de fondo demanda
otras cosas.
¿Cuáles
son tus proyectos artísticos a futuro? ¿Te planteás metas a alcanzar o vas
descubriéndolas en el camino?
Siempre me ha costado
estructurarlo a modo de proyecto. De momento sigo pintando.
Fuentes:
https://www.facebook.com/alvaro.olivera.184?__tn__=-UC*F
https://elhurgador.blogspot.com/2021/03/alvaro-olivera-pintura-entrevista.html
Nota: La propiedad intelectual de las imágenes que aparecen en este blog corresponde a sus autores y a quienes éstos las hayan cedido. El único objetivo de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, a los que admiro, y que otras personas disfruten contemplando sus obras.
Excelente ese artista rosarino
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