Como artista, tengo tantos
problemas para explicar mi obra de arte como los que tendría un crítico de arte
para crear arte. Cualquiera de mis
explicaciones viene después del hecho y no está relacionada con el proceso de
creación. Es fácil relacionar hechos. Te
puedo decir que comencé a usar yeso sobre arpillera porque estaba tratando de
imitar las superficies que veía en las fotos de las pinturas de un artista
español, Manolo Valdez. Usó grandes
cantidades de pintura al óleo sobre arpillera, dejando que el tejido crudo se
viera y la pintura gruesa se agrietara al secarse. Recuerdo que pensé que me parecía muy caro,
y pensé en intentar mezclar un poco de yeso en su lugar. Luego, empezaron a suceder otras cosas, y
ahora estoy haciendo el tipo de imágenes presentadas aquí que no se parecen en
nada a las pinturas de Valdez.
Mirando hacia atrás, puedo
articular ahora que entonces estaba fascinado con este arte bidimensional que
tenía un cuerpo texturizado propio, en lugar de la pintura figurativa
tradicional: una ventana enmarcada que miraba hacia otro mundo. En ese momento,
solo sabía que sentí una conexión instantánea y profunda con las superficies
que vi en el trabajo del artista español Manolo Valdez y otros, y quería hacer
las mías propias. Tal trabajo parecía tener una identidad e inmediatez de
presencia que conectaba con el trabajo figurativo que siempre había hecho,
complementándolo y realzándolo.
A diferencia de la
escultura, la esencia de la presencia física de esta nueva obra no era un rasgo
de la imagen. Pero al mismo tiempo, el
objeto de arte, en contraste con la imagen de arte, tenía una presencia que no
podía ser descartada o considerada por separado. Mientras ordenaba mis reacciones, me di
cuenta de que el objeto de arte llegó a representar para mí tanto la presencia
del espectador como la del sujeto en la imagen: la autoconciencia y la
conciencia del observador. La experiencia me pareció ver un rostro y tratar de
entenderlo como amigo o extraño, y al mismo tiempo ver la piel de ese rostro
independientemente de su expresión o actitud. Como si viera la propia cara en
un espejo, todas las líneas y marcas, y al mismo tiempo la reconociera como
propia, al mismo tiempo que se sorprendiera con los detalles olvidados e
imaginara esa cara como si la viera un completo extraño.
He llegado a creer que es a
través del proceso de reconocimiento de la textura, reconociéndola como
evidencia del proceso de construcción, que cualquier objeto se vuelve único,
personalizado y misterioso, revelando el secreto de su individualidad y
desafiando la categorización.
Aunque tal vez nunca se haya
usado de la manera en que yo lo uso, poner yeso sobre arpillera y otros
materiales tejidos tiene una historia muy larga. Descubrí esto por accidente mientras miraba
una exhibición de artefactos egipcios antiguos. Me topé con una estatua pintada en una
vitrina, de unos 20” de alto, agrietada y deteriorada un poco después de tres o
cuatro mil años. Inmediatamente
reconocí que estaba construido de lino cubierto con una capa de yeso. Desde entonces, he investigado sobre esto y
les puedo decir que los egipcios usaban la técnica para preservar las formas de
las momias, aplicando capas de yeso a los envoltorios, un proceso llamado
cartonaje por los arqueólogos.
Mi proceso es
diferente. Aplico una capa de yeso a la
arpillera y luego la moldeo contra una placa de vidrio para proporcionar una
base plana y lisa para pintar. Una vez
seca, la superficie de trabajo se sella.
Una vez más, después del secado, rompo la superficie de yeso, creando un
patrón de grietas que mancho. Esto
produce un dibujo lineal que luego pinto.
Por supuesto, he comenzado el proceso de creación de una cara o figura
en diferentes etapas de trabajo con el yeso y la arpillera porque siempre estoy
experimentando. Menos de la mitad de
estos intentos tienen éxito, ya que busco tanto la idea que tengo en mente como
algo que se desarrolla por casualidad. Corto, rompo, aplasto, rayo y lijo la
superficie. Cepillé demasiado el sellador para desarrollar una línea fina en el
recubrimiento. Mancho la superficie, la vuelvo a sellar y vuelvo a teñir.
Una vez que tengo algo que
me gusta, una pieza que tiene imagen, proceso estructural e individualidad, me
pongo a agregar color. Esto también es un proceso. A veces me enfoco en los
patrones abstractos en áreas pequeñas y luego mejoro la imagen como un todo. Esta
es una interacción entre la superficie misma y la imagen que retrata. Al final,
hay ocasiones en las que simplemente no me “gusta” la “persona” que he creado,
e incluso si he tenido éxito técnicamente, no soporto mirar mi trabajo. A veces
lo lijo y lo intento de nuevo. A veces
lo tiro.
Fuentes:
https://www.artsy.net/artist/stephen-maffin
https://zenithgallery.com/artists/stephen-maffin/
https://www.hilliardgallery.com/artwork/artists/stephen-maffin/
Nota: La propiedad intelectual de las imágenes que aparecen en este blog corresponde a sus autores y a quienes éstos las hayan cedido. El único objetivo de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, a los que admiro, y que otras personas disfruten contemplando sus obras.
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