lunes, 19 de diciembre de 2022

Stephen Maffin

 

Como artista, tengo tantos problemas para explicar mi obra de arte como los que tendría un crítico de arte para crear arte.   Cualquiera de mis explicaciones viene después del hecho y no está relacionada con el proceso de creación.   Es fácil relacionar hechos. Te puedo decir que comencé a usar yeso sobre arpillera porque estaba tratando de imitar las superficies que veía en las fotos de las pinturas de un artista español, Manolo Valdez.   Usó grandes cantidades de pintura al óleo sobre arpillera, dejando que el tejido crudo se viera y la pintura gruesa se agrietara al secarse.   Recuerdo que pensé que me parecía muy caro, y pensé en intentar mezclar un poco de yeso en su lugar.   Luego, empezaron a suceder otras cosas, y ahora estoy haciendo el tipo de imágenes presentadas aquí que no se parecen en nada a las pinturas de Valdez.

Mirando hacia atrás, puedo articular ahora que entonces estaba fascinado con este arte bidimensional que tenía un cuerpo texturizado propio, en lugar de la pintura figurativa tradicional: una ventana enmarcada que miraba hacia otro mundo. En ese momento, solo sabía que sentí una conexión instantánea y profunda con las superficies que vi en el trabajo del artista español Manolo Valdez y otros, y quería hacer las mías propias. Tal trabajo parecía tener una identidad e inmediatez de presencia que conectaba con el trabajo figurativo que siempre había hecho, complementándolo y realzándolo.

A diferencia de la escultura, la esencia de la presencia física de esta nueva obra no era un rasgo de la imagen.   Pero al mismo tiempo, el objeto de arte, en contraste con la imagen de arte, tenía una presencia que no podía ser descartada o considerada por separado.  Mientras ordenaba mis reacciones, me di cuenta de que el objeto de arte llegó a representar para mí tanto la presencia del espectador como la del sujeto en la imagen: la autoconciencia y la conciencia del observador. La experiencia me pareció ver un rostro y tratar de entenderlo como amigo o extraño, y al mismo tiempo ver la piel de ese rostro independientemente de su expresión o actitud. Como si viera la propia cara en un espejo, todas las líneas y marcas, y al mismo tiempo la reconociera como propia, al mismo tiempo que se sorprendiera con los detalles olvidados e imaginara esa cara como si la viera un completo extraño.

He llegado a creer que es a través del proceso de reconocimiento de la textura, reconociéndola como evidencia del proceso de construcción, que cualquier objeto se vuelve único, personalizado y misterioso, revelando el secreto de su individualidad y desafiando la categorización.

Aunque tal vez nunca se haya usado de la manera en que yo lo uso, poner yeso sobre arpillera y otros materiales tejidos tiene una historia muy larga.   Descubrí esto por accidente mientras miraba una exhibición de artefactos egipcios antiguos.   Me topé con una estatua pintada en una vitrina, de unos 20” de alto, agrietada y deteriorada un poco después de tres o cuatro mil años.   Inmediatamente reconocí que estaba construido de lino cubierto con una capa de yeso.   Desde entonces, he investigado sobre esto y les puedo decir que los egipcios usaban la técnica para preservar las formas de las momias, aplicando capas de yeso a los envoltorios, un proceso llamado cartonaje por los arqueólogos.

Mi proceso es diferente.   Aplico una capa de yeso a la arpillera y luego la moldeo contra una placa de vidrio para proporcionar una base plana y lisa para pintar.   Una vez seca, la superficie de trabajo se sella.   Una vez más, después del secado, rompo la superficie de yeso, creando un patrón de grietas que mancho.   Esto produce un dibujo lineal que luego pinto.   Por supuesto, he comenzado el proceso de creación de una cara o figura en diferentes etapas de trabajo con el yeso y la arpillera porque siempre estoy experimentando.   Menos de la mitad de estos intentos tienen éxito, ya que busco tanto la idea que tengo en mente como algo que se desarrolla por casualidad. Corto, rompo, aplasto, rayo y lijo la superficie. Cepillé demasiado el sellador para desarrollar una línea fina en el recubrimiento. Mancho la superficie, la vuelvo a sellar y vuelvo a teñir.

Una vez que tengo algo que me gusta, una pieza que tiene imagen, proceso estructural e individualidad, me pongo a agregar color. Esto también es un proceso. A veces me enfoco en los patrones abstractos en áreas pequeñas y luego mejoro la imagen como un todo. Esta es una interacción entre la superficie misma y la imagen que retrata. Al final, hay ocasiones en las que simplemente no me “gusta” la “persona” que he creado, e incluso si he tenido éxito técnicamente, no soporto mirar mi trabajo. A veces lo lijo y lo intento de   nuevo. A veces lo tiro.

Fuentes:

https://stephenmaffin.com/

http://www.maffinarts.com/

https://www.artsy.net/artist/stephen-maffin

https://zenithgallery.com/artists/stephen-maffin/

https://www.hilliardgallery.com/artwork/artists/stephen-maffin/

Nota: La propiedad intelectual de las imágenes que aparecen en este blog corresponde a sus autores y a quienes éstos las hayan cedido. El único objetivo de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, a los que admiro, y que otras personas disfruten contemplando sus obras.




































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